Cuatro cuartetos de T.S. Eliot: análisis del profesor Guerrero-Strachan

El profesor Santiago Rodríguez Guerrero-Strachan en un momento de su intervención. / Fotografía: Cine Club Casablanca

El pasado lunes 5 de febrero de 2024, el Cine Club Casablanca Valladolid acogió la proyección de la película Cuatro cuartetos (2022), dirigida por Sophie Fiennes y protagonizada por su hermano, el actor Ralph Fiennes, quien recita los famosos poemas del literato T.S. Eliot. La película es un homenaje al poeta angloamericano, considerado uno de los más influyentes del siglo XX, y a su obra cumbre, publicada entre 1935 y 1942. Los cuatro cuartetos son una reflexión sobre el tiempo, la memoria, la historia y la espiritualidad, expresada en un lenguaje que combina lo abstracto y lo concreto, lo filosófico y lo personal, lo clásico y lo moderno.

Tras la proyección, el profesor Santiago Rodríguez Guerrero-Strachan, especialista en T.S. Eliot, ofreció una charla para poner en contexto y analizar en su conjunto la película. El profesor explicó el origen, el significado y la forma de los poemas, así como la relación entre el texto y las imágenes que los acompañan en la película. También respondió a las preguntas del público, que mostró un gran interés por la figura y la obra de Eliot.

El profesor destacó la fidelidad de la traducción al español de los poemas, que respeta el contenido y el ritmo de los versos originales. Asimismo, señaló la importancia de la poesía meditativa de Eliot, que parte de unos fragmentos muy abstractos, con un lenguaje de origen latino y unos versos más extensos, medidos por acentos silábicos, y que pasa a unos fragmentos más concretos, con un lenguaje más inglés y unos versos más breves, medidos por sílabas. Estos cambios reflejan el paso de lo general a lo particular, de lo universal a lo individual, de lo intelectual a lo emocional.

El profesor también comentó la evolución de Eliot como poeta, que pasó de ser uno de los grandes creadores de la vanguardia poética, con obras como La tierra baldía (1922), donde hay muchas voces y ningún centro, a volver su mirada a los románticos ingleses, a los que había criticado en su juventud, y a escribir una poesía más cercana a ellos, con una voz única y un tono confesional. Los cuatro cuartetos son el resultado de esa búsqueda de una síntesis entre la tradición y la modernidad, entre la cultura y la fe, entre el arte y la vida.

La película de Sophie Fiennes recrea los lugares que inspiraron a Eliot para escribir sus poemas: Burnt Norton, East Coker, The Dry Salvages y Little Gidding. Cada lugar tiene su propio simbolismo y su propia atmósfera, que se refleja en las imágenes y en la música que las acompaña. Ralph Fiennes interpreta los poemas con una voz grave y profunda, que transmite la intensidad y la complejidad de los versos. La película es una invitación a la contemplación y a la reflexión, a la vez que un tributo a uno de los grandes poetas del siglo pasado.

Diálogo con Víctor Hugo Martín Caballero: “Deseando amar”

Víctor Hugo Martín Caballero, director de fotografía, en un momento de su intervención. / Fotografía: Cine Club Casablanca

El pasado lunes 11 de diciembre, el Cine Club Casablanca Valladolid recibió a Víctor Hugo Martín Caballero, fotógrafo y director de fotografía. La sesión especial “Mi película favorita”, la jornada en la que personalidades del ámbito cultural vallisoletano comparten con nosotros sus gustos e intereses cinematográficos, fue la responsable de que Martín Caballero se acercara a nuestro cineclub con la película “Deseando amar”, del director chino-hongkonés Wong Kar-wai, en una visita que dio lugar a una velada cargada de todo tipo de reflexiones.

Víctor Hugo, con su licenciatura en Comunicación Audiovisual y especialización en Dirección de Fotografía por la ECAM, ha sido artífice de trabajos tan dispares como spots, videoclips, cortometrajes y documentales. Miembro de la Academia de Cine desde 2022, su obra se extiende a otras disciplinas como la fotografía artística o el videoarte y ha expuesto en Valladolid principalmente, aunque también ha explorado otras ciudades tanto de España como de Europa.

La elección del largometraje “Deseando amar” fue de lo más acertada para los asistentes. Martín Caballero articuló un atractivo diálogo con el público en el que reveló capas y matices que en su opinión hacían de esta película una obra maestra. Gran defensor de las imperfecciones técnicas al considerarlas más hermosas que en otros ejemplos cinematográficos, las tomas a cámara lenta quizá fueran uno de los elementos característicos que más llamaban la atención a Víctor Hugo, celebrándolas como contribuciones a la singularidad y belleza de la película.

La conversación derivó gracias a las preguntas de los asistentes hacia aspectos técnicos tales como la composición de los encuadres, utilizados en esta película como recurso para expresar la ausencia, una sensación presente en todo el film y que se enfatizaba rompiendo la convención del encuadre para señalar el espacio vacío y que añadía, de esta forma, profundidad a la narrativa.

A continuación, Martín Caballero, regresó al término de obra maestra a través de la imperfección, marcando de este modo la singularidad de “Deseando amar”. La fotografía, en opinión del cineasta, es capaz de transmitir historias sin diálogos, estados de ánimo a través de los silencios y contextualizar espacios. Señaló además la colaboración interdepartamental del cine donde la belleza de la fotografía solo tiene sentido si se entrelaza con otros campos como el de vestuario o el de arte para crear una experiencia cinematográfica completa. Víctor Hugo reconoció, además, la influencia inconsciente de Wong Kar-wai en la representación de las formas de ciertos elementos comunes en su trayectoria profesional y alcanzamos a entender así un poco mejor el porqué de esta particular elección para nuestro cineclub.

Por último, la conversación ahondó en detalles, desde el simbolismo del paso del tiempo, la ruptura de las convecciones espaciales, hasta contenidos sociales y políticos que el individuo occidental por desconocimiento cultural no alcanza a entender en su totalidad.

Tras lanzar ciertas curiosidades de la película, Víctor Hugo señaló su preferencia por la película elegida en contraposición a otras del mismo director dando fin a un coloquio de gran interés para el público y con la impresión de que las buenas películas revelan más detalles con cada visualización, generando de este modo una apreciación mayor por la complejidad del cine.

Explorando el Barroco: Luis Hernández Arango

El realizador José Luis Hernández Arango junto a José Luis Cano de Gardoqui. / Foto: Raúl Melero.

El pasado lunes 4 de diciembre, los socios del Cine Club Casablanca descubrieron ‘In ictu oculi, Valdés Leal 1622-2022’, un documental del director sevillano Luis Hernández Arango que nos sumergía en la vida y obra del pintor barroco Juan de Valdés Leal aprovechando el 400 aniversario de su nacimiento.

Con una dilatada trayectoria como guionista y realizador de televisión, Hernández Arango incursiona en el ámbito documental a través de esta obra, fusionando hábilmente la destreza narrativa con un contenido artístico excepcional. En este trabajo, se sumerge en la figura histórica de Valdés Leal, demostrando su valía tanto en la narración como en la expresión artística.

Tras la proyección, los asistentes tuvieron ocasión de charlar con el director. Se abordaron diferentes temas como la magnitud y la diversidad de la obra de Valdés Leal, señalando su importancia y la falta de conocimiento general sobre el pintor. El director compartió varias impresiones sobre la dificultad de catalogación de obras de este artista cuya producción se encuentra dispersa o es desconocida.
En el transcurso del coloquio se abordó la elección de Hernández Arango de incorporar al relato elementos como la grafología para ofrecer nuevas perspectivas acerca de la personalidad del pintor barroco. El director defendió la introducción de esta disciplina en el documental como un elemento singular que aportara un toque de intriga, novedad y ritmo posiblemente influenciado por su experiencia en televisión.

Muchos de los presentes expresaron sus felicitaciones, mientras que en la conversación se analizaron aspectos cinematográficos, como la diversidad de ángulos y ubicaciones empleadas, y la continua intriga generada por la narrativa interna del documental. Se destacó también la decisión del director de resaltar el trabajo invisible de los numerosos profesionales detrás de la organización de una exposición pictórica de la magnitud de Juan de Valdés Leal.

En este ambiente relajado, Hernández Arango compartió detalles sobre algunas decisiones de producción y admitió que, al revisar su trabajo en varias ocasiones, siempre encuentra aspectos que podrían mejorarse. Los miembros mostraron interés en los proyectos futuros del director, incluyendo el documental en fase de preproducción sobre la figura histórica de Alvar Núñez Cabeza de Vaca. Además, algunos de los asistentes preguntaron sobre el respaldo televisivo para estas producciones comprometidas con la divulgación cultural.

Por último, José Luis Hernández extendió su gratitud al público por su asistencia a esta velada y finalizó su intervención con una férrea defensa del cine documental.

Edu Omega convierte la sesión número 200 del Cine Club Casablanca en una experiencia inolvidable

Edu Omega comparte sus impresiones tras la proyección. / Foto: Cine Club Casablanca Valladolid

El pasado lunes 13 de noviembre, el Cine Club Casablanca celebró con sus socios su sesión número 200 acompañado de un invitado muy especial: el músico electrónico Edu Omega. Este artista multidisciplinario se encargó de musicalizar en vivo la película muda norteamericana “Salome” de Alla Nazimova y Charles Bryant (1923).

Edu Omega, a través de sintetizadores e instrumentos contemporáneos, logró una fusión perfecta entre sus notas electrónicas y las imágenes proyectadas. Nos acercó, a través de su música, una experiencia totalmente inmersiva en la que la película alcanzaba otra dimensión al combinarlas con la estética y los códigos característicos del cine silente.

Después de la sesión tuvimos la oportunidad de charlar animadamente con Edu Omega sobre su proceso creativo y de las decisiones artísticas detrás de su actuación. Hablamos sobre la complejidad de componer música en tiempo real para dar contexto a unas imágenes tan impactantes y bellas como las de ‘Salomé’, de la fugacidad del momento y de las improvisaciones, elementos que, en su conjunto, ofrecen carácter de exclusividad a la proyección. Además, compartió con nosotros parte de sus influencias musicales y nos hizo partícipes de la dificultad de unir bajo un mismo concepto una obra completa de 75 minutos.

La sesión número 200 ha sido algo más que una proyección. Hemos viajado a través de la contemporaneidad junto a nuestros sentidos a un cine desaparecido, a un cine inexistente tan solo presente como reliquia cinematográfica. Gracias a Edu Omega y su equipo técnico pudimos disfrutar de una experiencia increíble para todos los presentes.

Gracias a todos por hacer posible las 200 sesiones. Esperamos contar con vosotros no solo para las próximas proyecciones, sino también para más eventos cinematográficos como este.

Manuel Espinilla: “Utama”

Manuel Espinilla en un momento de su intervención tras la proyección de la película "Utama". / Foto: Cine Club Casablanca.

Con motivo del Día Mundial del Medio Ambiente, el pasado 5 de junio proyectamos la multipremiada película “Utama” del director boliviano Alejandro Loayza. En el coloquio posterior nos acompañó Manuel Espinilla, miembro de la ONG Ecologistas en Acción de Valladolid.

En primer lugar, Espinilla destacó la historia de amor incondicional que aborda “Utama” reflexionando sobre la importancia de cultivar las relaciones basadas en la entrega mutua. Sin embargo, el eje vertebrador de la película fue pronto abandonado por el invitado que pasó a hablar de Bolivia y sus problemas a modo de contexto, conflictos utilizados como tramas secundarias pero trascendentales en el conjunto del film.

El activista Manuel Espinilla expresó su preocupación por el comportamiento irresponsable respecto al medio ambiente. Su argumento tomó un giro crítico al mencionar la crisis del agua que sufrió La Paz en 2017. Durante aquel período, las consecuencias del cambio climático afloraron como debate en el sentir popular pero señaló que en la actualidad ha dejado de importar a la población en general. Otro de los asuntos que resaltó el invitado fue la pérdida de la identidad y el abandono de la diversidad cultural. Como observaba en la película, Bolivia está marcada por una estrecha relación entre el campo y la ciudad, una dinámica que se ha invertido en las últimas décadas. Destacó la pérdida de colectividad y el individualismo propio de las ciudades que ha transformado los valores de gran parte de las gentes de carácter rural, una problemática extensible a todas las partes del mundo y alentó a resistir esa tendencia global hacia la uniformidad.

Manuel Espinilla dejó en los asistentes profundas reflexiones acerca del amor, el medio ambiente, la necesidad de repensar los comportamientos individuales y colectivos o la importancia de preservar la identidad. Una intervención brillante que supo articular las opiniones del público trascendiendo los límites de la película dejando una profunda huella en todos los espectadores.

Celebrando la creatividad: Alberto Velasco y Herminio Cardiel

Los invitados Alberto Velasco y Herminio Cardiel en la sesión anual de CreaVa. / Foto: Víctor Hugo Martín Caballero

El Cine Club Casablanca se transformó el pasado 22 de mayo en escenario de la última edición de CreaVa, un proyecto expositivo global enmarcado en el programa europeo CreArt. La actividad ofrece una semana cargada de obras en diferentes formatos y expuestas en lugares cotidianos realizadas por artistas locales.

El lunes se presentó ante nuestros socios una cuidada selección de trabajos audiovisuales del cineasta Herminio Cardiel y el dramaturgo y actor Alberto Velasco. La proyección despertó el interés y la curiosidad del público al que se le dio la oportunidad de participar en un enriquecedor coloquio con los realizadores.

Los asistentes no escatimaron en preguntas y reflexiones, mostrando en todo momento un profundo interés por las temáticas y las pulsiones de cada autor. En el coloquio se abordaron temas relevantes para la comunidad artística local, se habló de estudiantes de audiovisuales y de las posibilidades de estos para llevar a cabo proyectos propios y se abogó por la necesidad de creación de una industria propia que evite la salida a otros territorios de los más jóvenes en busca de oportunidades.

Cardiel y Velasco atendieron al público respondiendo a cada pregunta con pasión. Agradecieron la labor de los profesionales que integran sus equipos y valoraron positivamente las sinergias que se producen en el sector. Defendieron la formación como uno de los vehículos para la creación de proyectos de interés y señalaron también la necesidad de una inversión más amplia en todas las actividades culturales.

Asimismo, los artistas revindicaron el valor del cortometraje como entretenimiento autónomo capaz de transmitir mensajes poderosos en poco tiempo y se defendió como un producto más del panorama audiovisual.

Por último, los invitados y los organizadores agradecieron a todos los asistentes su presencia. Esta sesión es todo un evento artístico porque nos ofrece la oportunidad de conocer directamente a los creadores de nuestro entorno.

Oliva Cachafeiro presenta “Hierro 3”: Un encuentro entre cine y reflexiones

Oliva Cachafeiro en su intervención sobre "Hierro 3". / Foto: Cine Club Casablanca

En la ya habitual velada MI PELÍCULA FAVORITA organizada trimestralmente por nuestro cineclub, contamos el pasado lunes 15 de mayo con nuestra socia Oliva Cachafeiro, directora del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso y especialista en Teoría y Estética de la Cinematografía. Oliva aceptó de buen grado nuestra invitación a presentar una de sus películas favoritas en este marco donde traemos a un invitado relacionado con la cultura de nuestro entorno para que comparta no solo sus gustos sino también sus reflexiones con nosotros. En esta ocasión nos sorprendió con la elección de “Hierro 3” del director coreano Kim Ki-duk.

Minutos antes de la proyección, Oliva desveló su interés por esta película asiática e invitó a los presentes a quedarse al coloquio posterior para crear un espacio de diálogo abierto al intercambio de todo tipo de impresiones. La propuesta caló entre los asistentes en ambos coloquios puesto que muchos de los socios se quedaron después de la película a escuchar las intervenciones.

La invitada comenzó la charla interpelando al público sobre las emociones provocadas por el film animando así a la participación. Caracterizó el método de trabajo del director Kim Ki-duk, destacando su personalidad perfeccionista reflejada en cada plano y detalle de sus películas.

A propósito de la personalidad del cineasta coreano, Oliva Cachafeiro procedió a leer una noticia reciente sobre abusos y violencia sexual denunciados por la corriente internacional del “Me Too”. A partir de esta lectura, planteó al público el debate eterno sobre la separación de la obra y el artista y si ambos elementos deben ser juzgados separados o de forma conjunta. Los asistentes arrojaron diversas opiniones, algunas contrarias entre sí, expresando su postura en relación a este tema tan polémico.

Retomando y dejando esta parte del debate para más adelante, se exploraron los elementos simbólicos presentes en “Hierro 3” y se señaló la dualidad oriental en todos los aspectos del guion. Las interpretaciones personales entre los presentes, un tanto poliédricas, demostraron la riqueza y polisemia de esta obra cinematográfica.

Olivia Cachafeiro enriqueció el coloquio con curiosidades variadas, aclarando la traducción del título internacional o analizando el contexto social que se deja entrever en la película. Señaló la mezcla de géneros, desde el policiaco más absoluto a la comedia más ligera o al drama más arrebatador.

Por último, la invitada retomó el debate sobre la separación del artista y su obra, compartiendo su opinión personal con todos nosotros. Concluyó que las experiencias vitales del artista son un reflejo de sus obras creativas, difíciles de separar. El arte debe ser comprendido a través de sus autores, conociéndolos en profundidad se puede valorar en profundidad sus obras. Esta afirmación generó una última ronda de opiniones y reflexiones entre los asistentes.

El coloquio suscitado tras la proyección de “Hierro 3” fue un espacio muy abierto al diálogo. Oliva supo captar al público con sus intervenciones, haciéndole partícipe de sus gustos e inquietudes. Agradecemos desde aquí su valiosa contribución a esta jornada donde la pasión por el cine de nuestros invitados es la protagonista.

Javier Benito: “Regreso a Reims”

El profesor D. Javier Benito de la Fuente en el coloquio de la película "Regreso a Reims". / Foto: Luis Gracia

El lunes 20 de marzo tuvimos la suerte de contar con el profesor Javier Benito de la Fuente, especialista en cultura y sociedad francesas y docente de la Filología Francesa de la Universidad de Valladolid, en el marco de las Jornadas de la Francofonía. Durante ambas sesiones, el profesor ofreció a los asistentes una amena exposición sobre la película “Regreso a Reims” del director Jean-Gabriel Périot.

La película aborda la historia de un hombre que regresa a Reims, su ciudad natal, tras la muerte de su padre. En ese momento toma conciencia de la realidad política y social de la ciudad. Unos cambios significativos que atraviesan una historia personal explorando temas amplios como la sociedad francesa, la transformación de la clase trabajadora o el surgimiento como alternativa real de gobierno del Frente Nacional.

El profesor Benito de la Fuente relacionó el documental con algunos eventos históricos acaecidos en Francia en los últimos años. Y no solo analizó dichos acontecimientos que entendía como pilares del pensamiento francés, sino que extendió sus conclusiones a cambios sociales, económicos y políticos derivados de esos hechos históricos, siempre bajo la perspectiva de conocedor en profundidad de la sociedad francesa.

Durante el coloquio el profesor atendió a varias reflexiones del público haciendo hincapié en temas como la educación, la migración o la lucha de clases. Ambas sesiones resultaron bastante participativas entre Javier Benito y los asistentes en un debate enriquecedor y constructivo tras las proyecciones.

Javier Benito de la Fuente nos ha brindado la oportunidad de profundizar en el campo de su estudio, la cultura y sociedad francesas desde su perspectiva académica y experiencia en la materia. El documental “Regreso a Reims” fue el soporte de una gran intervención en la que se tocaron temas relevantes que nos ayudaron a obtener un mejor conocimiento de la sociedad francesa contemporánea.

Desde el Cine Club Casablanca Valladolid agradecemos al profesor Javier Benito su presencia y experiencia en nuestro cinefórum.

Erik Urano nos acerca su ‘Arrebato’

José Luis Cano de Gardoqui (presidente del Cine Club) junto al músico urbano Erik Urano hablándonos de 'Arrebato', una de sus películas favoritas. / Foto: Cine Club Casablanca

El rapero Erik Urano visitó el pasado 20 de febrero el Cine Club Casablanca para presentarnos la película “Arrebato” de Iván Zulueta, que considera una de sus favoritas. Erik es conocido por su faceta de músico pero pocos saben su gran pasión por el cine. A lo largo de 2022 ha conducido una serie de podcasts sobre la figura de José Val del Omar creando debates en torno a su legado cinematográfico. Durante su presentación en el cineclub, Erik destacó la importancia de proyectos como nuestro cineclub que fomentan el diálogo y el debate sobre el cine y el arte en general.

Erik eligió “Arrebato” por varias razones. En primer lugar, la película ha sido muy importante para él, una cinta que ha influido en numerosos artistas tanto del cine, como de la música o el arte en general. En segundo lugar, considera que la película es importante porque además de plantear cuestiones que generan debate, sugiere emociones que no estamos acostumbrados a experimentar en el cine convencional.

“Arrebato” es una película sobre la obsesión por el arte y la búsqueda del éxtasis que puede llevar a la destrucción del individuo. Es una película muy autobiográfica que refleja la propia vida del director, Iván Zulueta. Nacido en San Sebastián, Zulueta creció en una familia acomodada y trabajó en el mundo del cine y el arte, diseñando carteles trabajando para Pedro Almodóvar entre otros. Sin embargo, optó por viajar a Nueva York en busca de nuevas experiencias y su estancia allí le cambió la vida.

“Arrebato” es una película seminal – según palabras del propio Erik – que ha permeabilizado mucho en la cultura española consiguiendo ser una influencia muy fuerte para muchos cineastas. Es una película que sugiere nuevas formas de ver el cine y de experimentar emociones en la pantalla. Erik Urano ha elegido esta película como su favorita porque representa todo lo que él valora en el arte: la exploración de nuevos caminos, la búsqueda del éxtasis y la provocación de emociones que nos saquen de nuestra zona de confort.

La película favorita de… Raúl Allen

Raúl Allen acercándonos su visión particular de la película 'Perfect Blue' de Satoshi Kon. / Foto: Luis Gracia

El Cine Club Casablanca recibió el pasado 21 de marzo  al destacado dibujante de cómics Raúl Allen, quien compartió con nosotros su película favorita, “Perfect Blue” de Satoshi Kon (1997). Durante su visita, Raúl nos contó sobre su trayectoria en el mundo de la ilustración y cómics, y nos explicó por qué esta película de animación japonesa es tan especial para él.

Raúl Allen es un artista vallisoletano con una destacada carrera en el mundo de la ilustración y los cómics. Ha sido reconocido y premiado por la Society of Illustrators of NY, Illustration West, 3×3 Magazine of Contemporary Illustration, y por varios organismos en España. Además, ha trabajado en cómics de personajes icónicos como Wonder Woman, Hawkeye, y Iron Fist, colaborando con algunos de los escritores más importantes del mundo del cómic.

Para Raúl, “Perfect Blue” es una obra maestra de la animación, una película que combina la complejidad del cine de autor con la creatividad y la técnica de la animación japonesa. La historia sigue a una joven estrella de pop que comienza a sufrir alucinaciones después de abandonar su carrera musical para perseguir su sueño de convertirse en actriz. A medida que su vida comienza a desmoronarse, ella lucha por mantener su cordura y descubrir la verdad detrás de sus alucinaciones.

Raúl destacó la profundidad y complejidad de la película, su estilo visual sorprendente y su habilidad para explorar temas importantes como la identidad, la fama y la locura. Para él, “Perfect Blue” es una película que combina la creatividad y el talento de su creador con una historia fascinante que se adentra en los rincones más oscuros de la mente humana.

La visita de Raúl Allen al Cine Club Casablanca fue una experiencia inolvidable. Sus conocimientos sobre el mundo de la ilustración y su pasión por el cine y la animación hicieron que la velada fuera muy enriquecedora para todos los asistentes. Sin duda, su elección de “Perfect Blue” como su película favorita no solo nos deja ver su buen gusto cinematográfico, sino también su aprecio por las obras de arte que exploran temas complejos y profundamente humanos.

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