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Armand Rovira: Letters to Paul Morrissey

José Luis Cano de Gardoqui (Pdte. del Cineclub Casablanca) preguntando a Armand Rovira sobre 'Letters to Paul Morrissey". / Foto: Luis Gracia

El pasado lunes 29 de noviembre acudió a nuestro cineclub el director de cine y profesor universitario Armand Rovira para traernos “Letters to Paul Morrissey” (2018), su debut en el largometraje.

Tras una breve presentación en la que esbozó una serie de pautas para entender mejor su película, desarrollamos al término de la proyección un intenso y revelador coloquio que hizo la delicia de todos los presentes. La película – según palabras de Armand Rovira – es todo un homenaje a la figura de Paul Morrissey, icono del cine underground norteamericano. Como aquello que referencia, la película cuenta con varios episodios cortos entrelazados entre sí a modo de cartas rodadas, todas ellas con las características propias de aquel cine, como por ejemplo los rodajes en cámara de 16mm o el uso del blanco y negro, formatos autorreferenciados al abordar cine experimental.

Rodada en varios idiomas, la cantidad de anécdotas que Rovira nos contó, nos acercó al rodaje de esta película un poco más. Según aseguró Armand, el proyecto se alargó alrededor de cuatro años con la inspiración directa de Paul Morrissey y Joe Dallesandro, vitales en la formación de la película. La recepción favorable por parte de ellos, la narración de experiencias vitales, influencias del cine de los sesenta pero también otro tipo de imágenes que vinculan las pequeñas historias al cine clásico americano o incluso a la Europa del este, nos retrotraen en “Letters to Paul Morrissey” a otros tiempos del cine perfectamente representados.

Tras finalizar su exposición se abrió el turno de preguntas que arrojaron si cabe más luz sobre algunos aspectos formales, narrativos y estéticos de la película. Por último, Armand Rovira nos comunicó sus próximos proyectos en torno a la dirección de su segundo largometraje.

Día Europeo de la Creatividad de la mano de CreaVA21

Elena Finat (coordinadora CreaVA), Pedro del Río (cineasta) y José Luis Cano de Gardoqui (Pdte. del Cineclub Casablanca) presentando CreaVA21. / Foto: Víctor Hugo Martín Caballero.

CreaVa es un proyecto expositivo colectivo que se enmarca en el programa europeo CreArt, un evento que tiene lugar en marzo en diferentes ciudades europeas que coincide con la celebración del Día Europeo de la Creatividad el 21 de marzo. Su objetivo final es el de acercar al público la obra de creadores emergentes de la ciudad y llevarla a espacios cotidianos como bares, tiendas o incluso cines.

Desde su creación como plataforma artística y colectiva, el cine club colabora prestando su foro a jóvenes creadores vallisoletanos. Edición tras edición nos sumamos a la lista de entornos que dan visibilidad al talento creativo de artistas visuales y cineastas de Valladolid.

El pasado 22 de marzo tuvimos la ocasión de contemplar una breve selección de trabajos audiovisuales elegida personalmente por dos cineastas de Valladolid; Iván Sáinz-Pardo y Pedro del Río. Mientras que de la compañía de Iván nos fue imposible disfrutar al encontrarse fuera de nuestras fronteras, sí contamos con la presencia de Pedro, que nos explicó en tono distendido las motivaciones de su elección a la vez que nos descubría parte de su sello autoral. Finalizó el relato dando pie a varias preguntas por parte de los asistentes y nos avanzó algunos de sus próximos proyectos.

Sin lugar a dudas, un año más pasamos una velada de lo más interesante. Nuestra colaboración habitual con los artistas que visibiliza CreaVA nos acerca al conocimiento de cineastas y creadores visuales de gran talento, desconocidos en parte para la mayoría y avalados por una excelente calidad. Sumando todas las ediciones pasadas de CreaVA hemos descubierto hasta el momento a un sinfín de jóvenes de nuestro entorno que derrochan creatividad.

‘Te querré siempre’ y Arturo Dueñas

El cineasta Arturo Dueñas en la presentación de la película 'TE QUERRÉ SIEMPRE' de Roberto Rossellini. / Foto: Luis Gracia.

El pasado 23 de noviembre dedicamos la jornada del lunes a la sesión habitual por trimestre MI PELÍCULA FAVORITA, una velada en la que invitamos a figuras de nuestro entorno del ámbito cultural para que nos acerquen sus películas preferidas.

Con motivo de nuestro quinto aniversario contactamos con el director de cine vallisoletano Arturo Dueñas. Sin embargo, debido a la pandemia no pudimos contar con él entonces por lo que nos vimos obligados a retrasar el encuentro.

La elección preferida de Dueñas para nuestro cineclub fue nada menos que un clásico imprescindible – según sus palabras – que aborda las relaciones de pareja de una forma moderna. La película, TE QUERRÉ SIEMPRE (1954), de Roberto Rossellini.

Consciente de las restricciones para la contención de la pandemia, Arturo nos deleitó con una amena presentación previa a la proyección. Tras agradecer a todos los presentes la asistencia, el cineasta explicó con pasión los motivos de su elección, salpicando el relato con anécdotas del rodaje, aspectos técnicos y artísticos imprescindibles según su punto de vista y nos presentó cómo la narrativa de esta película de Rossellini influye directamente en su trayectoria fílmica personal.

Arturo Dueñas es un cineasta vallisoletano reconocido y cuenta con numerosos premios en sus documentales. Además, su presencia nos es muy grata como cineclub porque contribuyó activamente a su formación en 2014 y marcó el arranque entonces de este proyecto ciudadano que mantenemos en la actualidad.

Javier Angulo nos trae un clásico, ‘Metrópolis’

Javier Angulo, director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, presentando una de sus películas más queridas; 'Metrópolis', de Fritz Lang. / Foto: Raúl Melero

El lunes 25 de noviembre dedicamos la velada a la sesión ‘Mi película favorita’ continuando así con nuestras sesiones especiales a las que invitamos al cineclub a figuras de nuestro entorno para que nos desvelen personalmente sus gustos cinematográficos.

Javier Angulo ha sido elegido en esta ocasión para trasladarnos su propuesta cinéfila. El director artístico de la Semana Internacional de Cine de Valladolid eligió recuperar para nosotros uno de los grandes clásicos de la Historia del Cine Universal; ‘Metrópolis’ (1927), de Fritz Lang.

Con un montaje superior a los 150 minutos, la película del director vienés finalizó por desgracia sin la celebración del coloquio posterior. Precisamente por este motivo, Angulo nos alentó a disfrutar de la proyección con su propia perspectiva y nos ofreció herramientas muy útiles para el visionado. Además, descubrimos el porqué de su elección, una decisión tomada desde el corazón como pudimos escuchar. Según nos contó, la última versión de ‘Metrópolis’, restaurada y editada con escenas inéditas por la Filmoteca Nacional de Buenos Aires (2008), se estrenó internacionalmente en el festival de Valladolid. Las anécdotas del reestreno en el primer año de su gestión como director artístico de la Semana Internacional de Cine fueron relatadas con tal emoción por nuestro invitado que resultaron emocionantes para todos los presentes cerrando así una brillante exposición.

Javier Angulo no solo es director del festival de cine de nuestra ciudad, también es todo un referente en el mundo de la divulgación y cuenta con decenas de libros, ensayos y publicaciones cinematográficos. Es un placer contar con Angulo porque siempre nos brindó su apoyo desde que nacimos como asociación. Años después continúa animándonos a ver cine los lunes enriqueciendo el interés ciudadano por el séptimo arte.

Pérez Barreiro nos presentó ‘Blade Runner’, de Ridley Scott

Sara Pérez Barreiro, doctora en Arquitectura y experta en ciencia ficción, nos presentó 'Blade Runner', de Ridley Scott. / Foto: Luis Gracia.

Sara Pérez Barreiro, doctora en Arquitectura, atendió nuestra petición para presentar Blade Runner (1982), de Ridley Scott, película ambientada en noviembre de 2019.

Nuestra socia Sara Pérez Barreiro nos presentó tal y como solo ella sabe hacerlo la película Blade Runner (1982) del director británico Ridley Scott. Experta en cine de ciencia ficción, género que domina a la perfección como teórica como demuestran sus numerosas publicaciones, Sara Pérez Barreiro nos ofreció antes de la proyección una serie de pistas que nos ayudaron sin duda alguna a ver con otros ojos este clásico de la ciencia ficción.

Desde un puro anecdotario de rodaje muy ameno que nos acercó al cómo se hacían las películas de grandes presupuestos en 1982 y a las numerosas dificultades que atravesó el equipo para sacar adelante la novela de Phillip K. Dyck con Ridley Scott al frente, hasta un pormenorizado recorrido por todas las localizaciones existentes en Blade Runner, centrándose sobre todo en la emblemática arquitectura de la ciudad de Los Angeles – el edificio Ennis House de Frank Lloyd Wright, por ejemplo –, Sara demostró no solo un gran ejercicio didáctico sino que además dejó entrever su pasión por esta película, su devoción por la arquitectura y su cariño por el género de la ciencia ficción. Para finalizar su intervención, arrojó al público unas palabras extraídas de los últimos instantes de Blade Runner, palabras que convirtió en verso y con las que arrancó el aplauso de todos los asistentes.

Sara Pérez Barreiro es Doctora en Arquitectura, profesora de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Valladolid y una reputada especialista cinematográfica. Títulos como “Star Wars: Arquitectura, ficción o realidad, “Futuros tenebrosos en la ciencia ficción” o “Utopías: Arquitectura de ciencia ficción” son algunas de sus publicaciones más destacadas.

Los espigadores y la espigadora, la favorita de Sara Rivero

La actriz Sara Rivero nos presentó una de sus películas más queridas, el documental 'Los espigadores y la espigadora' de Agnès Varda. / Foto: Raúl Melero.

La actriz vallisoletana Sara Rivero hizo un hueco en su agenda para acercarse al cineclub y hablarnos de una de sus películas favoritas; Los espigadores y la espigadora (2000), de la recién fallecida Agnès Varda.

El lunes 17 de junio fue la jornada del trimestre dedicada a “Mi película favorita”. Como viene siendo habitual, en esta velada especial solemos invitar a un personaje de interés público de la cultura local para que se acerque a nuestro cineclub con su película preferida. Invitados como Emiliano Allende, director de la Semana de Cine de Medina del Campo, o Javier Vielva, músico e integrante de grupos como Arizona Baby o El Meister, han sido algunos de nuestros invitados. Ambos pasaron por el cineclub con sus propuestas más amadas, enseñándonos su particular visión al desvelarnos parte de sus gustos cinematográficos.

Sara Rivero fue nuestra invitada especial en esta jornada singular. Con una dilatada carrera a sus espaldas a pesar de su juventud, actriz de numerosas series de ficción – Velvet, Isabel, Gran Hotel, Amar es para siempre – y varios cortometrajes, oculta una gran pasión por el estudio del cine desde puntos de vista teóricos y experimentales, además de una inquietud manifiesta por la dirección.

La propuesta de Sara nos llamó la atención desde el principio y nos obligó a rescatar del olvido un humilde documental de la realizadora belga Agnès Varda titulado “Los espigadores y la espigadora”. En el coloquio posterior surgirían amplios temas de debate y nos explicaría con detalle el porqué de su elección. La visión particular de Sara Rivero, en línea con los postulados lanzados en el metraje documental por su autora, recogía el guante sobre la importancia del reciclaje lanzándonos no solo una mirada crítica hacia el ecologismo y al reaprovechamiento de recursos, sino también a aquellos elementos técnicos de la película marcados por la propia naturaleza del género documental.
Como nos contaría al final del coloquio, los próximos proyectos de Sara giran en torno a la dirección de piezas experimentales. Estaremos muy atentos a sus futuros trabajos, seguro que hablaremos pronto de ellos en nuestro cineclub.

Diana Toucedo: Reflexiones sobre la identidad rural

Diana Toucedo nos enseñó, tanto con su película como con sus palabras, el relato social y emocional de una pequeña comunidad rural.

El lunes 10 de junio estuvo con nosotros la realizadora, montadora y docente Diana Toucedo. Con ella estuvimos charlando largo y tendido sobre su primera película de ficción, Trinta Lumes (2017).

Desde Barcelona, Toucedo acudió a presentarnos su primera película como realizadora. Cumplió así la promesa que nos hizo en 2016 cuando nos presentó la cinta Muerte en la Alcarria (2015) de su amigo Fernando Pumares en la que trabajaba como montadora.

Tras una breve presentación que abrió el interés por ver su primer trabajo como directora, el coloquio posterior estuvo plagado de buenos e interesantes momentos. Hablamos de cómo nos había impactado su película y de muchísimas cosas más. Los sentimientos identitarios de las comunidades pequeñas y cómo la tradición acaba adaptándose a un tiempo y espacio cada vez más globalizados fueron los ejes principales de un debate en el que se interactuó bastante con nuestra invitada.

La película Trinta Lumes nos remite a la identidad colectiva de la pequeña comarca de O Courel en Pontevedra, extrapolable a cientos de comunidades en vías de despoblación. Desde la mera observación de unos personajes reales que trasmiten más verdad que cualquier actor profesional, Trinta Lumes a través del género documental roto en ocasiones por la ficción, nos acerca las vidas sencillas de unos habitantes con un gran mundo interior remarcados por largos silencios que evocan tradiciones y formas del pasado.

Para finalizar, Toucedo nos contó anécdotas del recorrido de la película a través de numerosos festivales y nos habló de sus próximos proyectos asegurándonos que volvería, si la invitábamos, con su próximo trabajo. Con una carrera muy afianzada en el sector audiovisual tanto en cine como en televisión y una larga experiencia como docente, no podemos otra cosa que agradecer a Diana su entrega y disposición para visitarnos una vez más, sabiendo toda la carga de trabajo que en estos momentos ocupa la mayor parte de su tiempo.

Un placer, sin duda, volver a contar con sus didácticas y sabias palabras sobre su concepción del cine y los porqués de su construcción.

Eva Vila: La Odisea de Homero a través de Penélope

La cineasta catalana Eva Vila nos habló de su película "Penélope" y compartió con nosotros su interpretación personal de La Odisea de Homero. / Foto: Luis Gracia

El lunes 4 de marzo tuvimos ocasión de conocer a la directora de cine Eva Vila que nos trajo Penélope, su última película.

La proyección contó con numeroso público en ambos pases y muchos de nosotros nos quedamos pegados a la butaca al término del film en busca de respuestas. La cineasta catalana, tras un breve prólogo, explicó sus intenciones al rodar la película y porqué trazó los dos ejes principales – la identidad y la pérdida – en torno a la figura olvidada de Penélope en La Odisea de Homero.

Porque Penélope de Eva Vila es un ejercicio de cambio de roles para el espectador donde se nos muestra una visión particular del mito de Ulises. Mientras que en la obra clásica el héroe anhela llegar a su destino para reencontrarse con su amada pasando todo tipo de adversidades, la película se articula en torno a la espera de Penélope – Carmen, en el largometraje –, que forja su destino y supervivencia a través de una vida marcada por la realidad de su familia y sus circunstancias personales. Sin desprenderse en absoluto de la carga literaria – presente incluso en la estructura narrativa del largometraje – y de la utilización del héroe como conductor de la historia al que Eva Vila transforma al crear un nuevo relato heroico inspirado en la vida cotidiana de una mujer nonagenaria. Ella asume su destino sin esperas creando así su propia identidad.

Interesante historia que revisa el mito clásico con perspectiva de género. Eva Vila nos sorprendió a todos con su tercer largometraje y primera incursión en el mundo de la ficción. Es productora, directora, guionista y docente en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona donde coordina el Máster de Creación Documental.

Sin lugar a dudas, un año más pasamos una velada de lo más interesante. Nuestra colaboración habitual con los artistas que visibiliza CreaVA nos acerca al conocimiento de cineastas y creadores visuales de gran talento, desconocidos en parte para la mayoría y avalados por una excelente calidad. Sumando todas las ediciones pasadas de CreaVA hemos descubierto hasta el momento a un sinfín de jóvenes de nuestro entorno que derrochan creatividad.

Javier Vielba: El fantasma del paraíso

Javier Vielba, músico, en un momento de su exposición sobre 'El fantasma del paraíso', de Brian de Palma. / Foto: Luis Gracia.

Mi película favorita es una sección en la que personalidades de la cultura vallisoletana nos proponen sus películas favoritas. Javier Vielba, músico, compositor e interprete de Arizona Baby entre otros, nos propuso “El  fantasma del paraíso” (1974) de Brian de Palma.

El pasado 25 de febrero visitó el cineclub el músico Javier Vielba para presentarnos –según sus palabras– una de sus películas de cabecera por considerarla en estrecha relación con su profesión. Porque para Javier – que fue socio de nuestro cineclub hace unos años –, “El fantasma del paraíso” es una obra atípica cargada de referencias cinéfilas y literarias, en ocasiones extraña y perturbadora e increíblemente inteligente tanto en su estética barroca como en su paródico corpus crítico.

Vielba abordó el coloquio con un discurso sólido donde trató aspectos muy interesantes de toda la película. Habló de la grandilocuencia del cine y de la capacidad de éste para crear mundos paralelos e inverosímiles alejados de la más estricta realidad. Salpicó su exposición con múltiples anécdotas del rodaje e incluso explicó con detalle secuencias y planos que para él eran indicadores de la calidad artística del director.

Como músico, Javier Vielba, hizo una verdadera reflexión de cómo influyó esta película y su banda sonora en él y en generaciones posteriores. Subrayó la importancia de Paul Williams como compositor e hizo hincapié en las sutiles críticas en el guión al mundo de la música comercial pasando por otros géneros del momento como el punk o el glam-rock.

Brillante exposición de Javier Vielba sobre los entresijos musicales y cinematográficos de “El  fantasma del paraíso”. Porque Vielba no solo es uno de los músicos vallisoletanos más relevantes del panorama musical actual (Arizona Baby, Corizonas, El Meister) sino que también es filólogo y experto en Cinematografía por la Cátedra de Historia y Estética de Cine de la Universidad de Valladolid.

Protagonistas: Desenterrando Sad Hill

Sergio García, José Luis Cano de Gardoqui y David Alba en el coloqio posterior a la proyección de 'Desenterrando Sad Hill. / Foto: Luis Gracia.

Los miembros de la asociación cultural ‘Sad Hill”  nos acompañaron en la proyección de ‘Desenterrando Sad Hill’ (2018), de Guillermo de Oliveira.

El 18 de febrero tuvimos ocasión de disfrutar del documental ‘Desenterrando Sad Hill’, de Guillermo de Oliveira. El largometraje, primero de este joven realizador, ha sido uno de las revelaciones del año en su género por varios motivos, sobre todo por la cinefilia que desprende el metraje. Los premios que ha conseguido a lo largo del 2018 y 2019 han sido numerosos, obteniendo, por ejemplo, la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos y las nominaciones a Mejor Documental de los Premios Goya y Forqué.

La asociación cultural ‘Sad Hill’ – verdaderos héroes del documental que aparecen reforzados por testimonios orales de participantes y gente del sector cinematográfico – han logrado  cincuenta años después con su fascinación por el cine, desenterrar y rescatar del olvido el mítico cementerio ficticio levantado para la última escena de ‘El bueno, el feo y el malo’, rodada en España por Sergio Leone en 1966.

La proyección logró atrapar al público desde los créditos iniciales. Al término del documental, el coloquio lo llevaron David Alba y Sergio García, elenco protagonista e integrantes de la asociación cultural ‘Sad Hill’. Gracias a sus testimonios y al apoyo visual de su proyecto faraónico en torno al cine recogido en la película de Oliveira, pudimos descubrir cómo el entusiasmo por recuperar la memoria de un pueblo y la cinefilia pueden unirse para crear una de las rutas cinematográficas más importantes del país al recuperar una zona geográfica – el entorno de Santo Domingo de Silos en Burgos – afectada por la despoblación.

David y Sergio como miembros del colectivo ‘Sad Hill’ supieron trasladarnos su entusiasmo por el cine, el western y por el entorno del cementerio desenterrado. Con nosotros compartieron muchas anécdotas, labores de investigación sobre el film e incluso sus experiencias personales al convertirse por instantes en accidentales actores de sus vidas. Porque ‘Desenterrando Sad Hill’ es un documento que, como transmiten sus protagonistas, es un sentido homenaje a las ilusiones.