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Manuel Espinilla: “Utama”

Manuel Espinilla en un momento de su intervención tras la proyección de la película "Utama". / Foto: Cine Club Casablanca.

Con motivo del Día Mundial del Medio Ambiente, el pasado 5 de junio proyectamos la multipremiada película “Utama” del director boliviano Alejandro Loayza. En el coloquio posterior nos acompañó Manuel Espinilla, miembro de la ONG Ecologistas en Acción de Valladolid.

En primer lugar, Espinilla destacó la historia de amor incondicional que aborda “Utama” reflexionando sobre la importancia de cultivar las relaciones basadas en la entrega mutua. Sin embargo, el eje vertebrador de la película fue pronto abandonado por el invitado que pasó a hablar de Bolivia y sus problemas a modo de contexto, conflictos utilizados como tramas secundarias pero trascendentales en el conjunto del film.

El activista Manuel Espinilla expresó su preocupación por el comportamiento irresponsable respecto al medio ambiente. Su argumento tomó un giro crítico al mencionar la crisis del agua que sufrió La Paz en 2017. Durante aquel período, las consecuencias del cambio climático afloraron como debate en el sentir popular pero señaló que en la actualidad ha dejado de importar a la población en general. Otro de los asuntos que resaltó el invitado fue la pérdida de la identidad y el abandono de la diversidad cultural. Como observaba en la película, Bolivia está marcada por una estrecha relación entre el campo y la ciudad, una dinámica que se ha invertido en las últimas décadas. Destacó la pérdida de colectividad y el individualismo propio de las ciudades que ha transformado los valores de gran parte de las gentes de carácter rural, una problemática extensible a todas las partes del mundo y alentó a resistir esa tendencia global hacia la uniformidad.

Manuel Espinilla dejó en los asistentes profundas reflexiones acerca del amor, el medio ambiente, la necesidad de repensar los comportamientos individuales y colectivos o la importancia de preservar la identidad. Una intervención brillante que supo articular las opiniones del público trascendiendo los límites de la película dejando una profunda huella en todos los espectadores.

Celebrando la creatividad: Alberto Velasco y Herminio Cardiel

Los invitados Alberto Velasco y Herminio Cardiel en la sesión anual de CreaVa. / Foto: Víctor Hugo Martín Caballero

El Cine Club Casablanca se transformó el pasado 22 de mayo en escenario de la última edición de CreaVa, un proyecto expositivo global enmarcado en el programa europeo CreArt. La actividad ofrece una semana cargada de obras en diferentes formatos y expuestas en lugares cotidianos realizadas por artistas locales.

El lunes se presentó ante nuestros socios una cuidada selección de trabajos audiovisuales del cineasta Herminio Cardiel y el dramaturgo y actor Alberto Velasco. La proyección despertó el interés y la curiosidad del público al que se le dio la oportunidad de participar en un enriquecedor coloquio con los realizadores.

Los asistentes no escatimaron en preguntas y reflexiones, mostrando en todo momento un profundo interés por las temáticas y las pulsiones de cada autor. En el coloquio se abordaron temas relevantes para la comunidad artística local, se habló de estudiantes de audiovisuales y de las posibilidades de estos para llevar a cabo proyectos propios y se abogó por la necesidad de creación de una industria propia que evite la salida a otros territorios de los más jóvenes en busca de oportunidades.

Cardiel y Velasco atendieron al público respondiendo a cada pregunta con pasión. Agradecieron la labor de los profesionales que integran sus equipos y valoraron positivamente las sinergias que se producen en el sector. Defendieron la formación como uno de los vehículos para la creación de proyectos de interés y señalaron también la necesidad de una inversión más amplia en todas las actividades culturales.

Asimismo, los artistas revindicaron el valor del cortometraje como entretenimiento autónomo capaz de transmitir mensajes poderosos en poco tiempo y se defendió como un producto más del panorama audiovisual.

Por último, los invitados y los organizadores agradecieron a todos los asistentes su presencia. Esta sesión es todo un evento artístico porque nos ofrece la oportunidad de conocer directamente a los creadores de nuestro entorno.

Oliva Cachafeiro presenta “Hierro 3”: Un encuentro entre cine y reflexiones

Oliva Cachafeiro en su intervención sobre "Hierro 3". / Foto: Cine Club Casablanca

En la ya habitual velada MI PELÍCULA FAVORITA organizada trimestralmente por nuestro cineclub, contamos el pasado lunes 15 de mayo con nuestra socia Oliva Cachafeiro, directora del Museo de Arte Africano Arellano-Alonso y especialista en Teoría y Estética de la Cinematografía. Oliva aceptó de buen grado nuestra invitación a presentar una de sus películas favoritas en este marco donde traemos a un invitado relacionado con la cultura de nuestro entorno para que comparta no solo sus gustos sino también sus reflexiones con nosotros. En esta ocasión nos sorprendió con la elección de “Hierro 3” del director coreano Kim Ki-duk.

Minutos antes de la proyección, Oliva desveló su interés por esta película asiática e invitó a los presentes a quedarse al coloquio posterior para crear un espacio de diálogo abierto al intercambio de todo tipo de impresiones. La propuesta caló entre los asistentes en ambos coloquios puesto que muchos de los socios se quedaron después de la película a escuchar las intervenciones.

La invitada comenzó la charla interpelando al público sobre las emociones provocadas por el film animando así a la participación. Caracterizó el método de trabajo del director Kim Ki-duk, destacando su personalidad perfeccionista reflejada en cada plano y detalle de sus películas.

A propósito de la personalidad del cineasta coreano, Oliva Cachafeiro procedió a leer una noticia reciente sobre abusos y violencia sexual denunciados por la corriente internacional del “Me Too”. A partir de esta lectura, planteó al público el debate eterno sobre la separación de la obra y el artista y si ambos elementos deben ser juzgados separados o de forma conjunta. Los asistentes arrojaron diversas opiniones, algunas contrarias entre sí, expresando su postura en relación a este tema tan polémico.

Retomando y dejando esta parte del debate para más adelante, se exploraron los elementos simbólicos presentes en “Hierro 3” y se señaló la dualidad oriental en todos los aspectos del guion. Las interpretaciones personales entre los presentes, un tanto poliédricas, demostraron la riqueza y polisemia de esta obra cinematográfica.

Olivia Cachafeiro enriqueció el coloquio con curiosidades variadas, aclarando la traducción del título internacional o analizando el contexto social que se deja entrever en la película. Señaló la mezcla de géneros, desde el policiaco más absoluto a la comedia más ligera o al drama más arrebatador.

Por último, la invitada retomó el debate sobre la separación del artista y su obra, compartiendo su opinión personal con todos nosotros. Concluyó que las experiencias vitales del artista son un reflejo de sus obras creativas, difíciles de separar. El arte debe ser comprendido a través de sus autores, conociéndolos en profundidad se puede valorar en profundidad sus obras. Esta afirmación generó una última ronda de opiniones y reflexiones entre los asistentes.

El coloquio suscitado tras la proyección de “Hierro 3” fue un espacio muy abierto al diálogo. Oliva supo captar al público con sus intervenciones, haciéndole partícipe de sus gustos e inquietudes. Agradecemos desde aquí su valiosa contribución a esta jornada donde la pasión por el cine de nuestros invitados es la protagonista.

Javier Benito: “Regreso a Reims”

El profesor D. Javier Benito de la Fuente en el coloquio de la película "Regreso a Reims". / Foto: Luis Gracia

El lunes 20 de marzo tuvimos la suerte de contar con el profesor Javier Benito de la Fuente, especialista en cultura y sociedad francesas y docente de la Filología Francesa de la Universidad de Valladolid, en el marco de las Jornadas de la Francofonía. Durante ambas sesiones, el profesor ofreció a los asistentes una amena exposición sobre la película “Regreso a Reims” del director Jean-Gabriel Périot.

La película aborda la historia de un hombre que regresa a Reims, su ciudad natal, tras la muerte de su padre. En ese momento toma conciencia de la realidad política y social de la ciudad. Unos cambios significativos que atraviesan una historia personal explorando temas amplios como la sociedad francesa, la transformación de la clase trabajadora o el surgimiento como alternativa real de gobierno del Frente Nacional.

El profesor Benito de la Fuente relacionó el documental con algunos eventos históricos acaecidos en Francia en los últimos años. Y no solo analizó dichos acontecimientos que entendía como pilares del pensamiento francés, sino que extendió sus conclusiones a cambios sociales, económicos y políticos derivados de esos hechos históricos, siempre bajo la perspectiva de conocedor en profundidad de la sociedad francesa.

Durante el coloquio el profesor atendió a varias reflexiones del público haciendo hincapié en temas como la educación, la migración o la lucha de clases. Ambas sesiones resultaron bastante participativas entre Javier Benito y los asistentes en un debate enriquecedor y constructivo tras las proyecciones.

Javier Benito de la Fuente nos ha brindado la oportunidad de profundizar en el campo de su estudio, la cultura y sociedad francesas desde su perspectiva académica y experiencia en la materia. El documental “Regreso a Reims” fue el soporte de una gran intervención en la que se tocaron temas relevantes que nos ayudaron a obtener un mejor conocimiento de la sociedad francesa contemporánea.

Desde el Cine Club Casablanca Valladolid agradecemos al profesor Javier Benito su presencia y experiencia en nuestro cinefórum.

Erik Urano nos acerca su ‘Arrebato’

José Luis Cano de Gardoqui (presidente del Cine Club) junto al músico urbano Erik Urano hablándonos de 'Arrebato', una de sus películas favoritas. / Foto: Cine Club Casablanca

El rapero Erik Urano visitó el pasado 20 de febrero el Cine Club Casablanca para presentarnos la película “Arrebato” de Iván Zulueta, que considera una de sus favoritas. Erik es conocido por su faceta de músico pero pocos saben su gran pasión por el cine. A lo largo de 2022 ha conducido una serie de podcasts sobre la figura de José Val del Omar creando debates en torno a su legado cinematográfico. Durante su presentación en el cineclub, Erik destacó la importancia de proyectos como nuestro cineclub que fomentan el diálogo y el debate sobre el cine y el arte en general.

Erik eligió “Arrebato” por varias razones. En primer lugar, la película ha sido muy importante para él, una cinta que ha influido en numerosos artistas tanto del cine, como de la música o el arte en general. En segundo lugar, considera que la película es importante porque además de plantear cuestiones que generan debate, sugiere emociones que no estamos acostumbrados a experimentar en el cine convencional.

“Arrebato” es una película sobre la obsesión por el arte y la búsqueda del éxtasis que puede llevar a la destrucción del individuo. Es una película muy autobiográfica que refleja la propia vida del director, Iván Zulueta. Nacido en San Sebastián, Zulueta creció en una familia acomodada y trabajó en el mundo del cine y el arte, diseñando carteles trabajando para Pedro Almodóvar entre otros. Sin embargo, optó por viajar a Nueva York en busca de nuevas experiencias y su estancia allí le cambió la vida.

“Arrebato” es una película seminal – según palabras del propio Erik – que ha permeabilizado mucho en la cultura española consiguiendo ser una influencia muy fuerte para muchos cineastas. Es una película que sugiere nuevas formas de ver el cine y de experimentar emociones en la pantalla. Erik Urano ha elegido esta película como su favorita porque representa todo lo que él valora en el arte: la exploración de nuevos caminos, la búsqueda del éxtasis y la provocación de emociones que nos saquen de nuestra zona de confort.

La película favorita de… Raúl Allen

Raúl Allen acercándonos su visión particular de la película 'Perfect Blue' de Satoshi Kon. / Foto: Luis Gracia

El Cine Club Casablanca recibió el pasado 21 de marzo  al destacado dibujante de cómics Raúl Allen, quien compartió con nosotros su película favorita, “Perfect Blue” de Satoshi Kon (1997). Durante su visita, Raúl nos contó sobre su trayectoria en el mundo de la ilustración y cómics, y nos explicó por qué esta película de animación japonesa es tan especial para él.

Raúl Allen es un artista vallisoletano con una destacada carrera en el mundo de la ilustración y los cómics. Ha sido reconocido y premiado por la Society of Illustrators of NY, Illustration West, 3×3 Magazine of Contemporary Illustration, y por varios organismos en España. Además, ha trabajado en cómics de personajes icónicos como Wonder Woman, Hawkeye, y Iron Fist, colaborando con algunos de los escritores más importantes del mundo del cómic.

Para Raúl, “Perfect Blue” es una obra maestra de la animación, una película que combina la complejidad del cine de autor con la creatividad y la técnica de la animación japonesa. La historia sigue a una joven estrella de pop que comienza a sufrir alucinaciones después de abandonar su carrera musical para perseguir su sueño de convertirse en actriz. A medida que su vida comienza a desmoronarse, ella lucha por mantener su cordura y descubrir la verdad detrás de sus alucinaciones.

Raúl destacó la profundidad y complejidad de la película, su estilo visual sorprendente y su habilidad para explorar temas importantes como la identidad, la fama y la locura. Para él, “Perfect Blue” es una película que combina la creatividad y el talento de su creador con una historia fascinante que se adentra en los rincones más oscuros de la mente humana.

La visita de Raúl Allen al Cine Club Casablanca fue una experiencia inolvidable. Sus conocimientos sobre el mundo de la ilustración y su pasión por el cine y la animación hicieron que la velada fuera muy enriquecedora para todos los asistentes. Sin duda, su elección de “Perfect Blue” como su película favorita no solo nos deja ver su buen gusto cinematográfico, sino también su aprecio por las obras de arte que exploran temas complejos y profundamente humanos.

Pedro G. Bermúdez: “La naranja prohibida”

Pedro G. Berrmúdez presentado por José Luis Cano de Gardoqui. / Foto: Luis Gracia.

El pasado catorce de marzo el Cine Club Casablanca vivió un evento cinematográfico: el estreno del documental “La naranja prohibida” del realizador Pedro González Bermúdez.

El largometraje, producido por la cadena de televisión TCM, nos lleva por los acontecimientos que rodearon en su momento la polémica proyección de “La naranja mecánica” en Valladolid, bajo la estricta censura del régimen de Franco y cuatro años después de su estreno mundial. La transgresora película de Kubrick pudo ser finalmente proyectada en el Festival de Cine de Valladolid a pesar de ser esta una de las ciudades más conservadoras de la época.

Pedro González Bermúdez, director, guionista, productor y ganador de un premio Goya, nos explicó en una breve introducción antes de la proyección el porqué de esta elección para realizar este documental. Este trabajo fue sugerido por TCM que quería embarcarse en una película que conmemorara los cincuenta años del estreno en España de “La naranja prohibida” de Stanley Kubrick. Fue entonces cuando González Bermúdez se lanzó junto a su equipo a un extenuante trabajo de investigación no solo documental sino de búsqueda de testimonios orales de espectadores de aquel histórico pase.

Algunos de los espectadores del cineclub se dieron a conocer en el coloquio posterior como testigos directos de la XX edición del Festival de Cine de Valladolid que recordaban el acontecimiento narrado en el documental. Se habló del debilitamiento del franquismo o si el cine puede convertirse en un símbolo de resistencia cultural para los jóvenes, pero lo que más se planteó por los asistentes fue si una película como si la controvertida “La naranja mecánica” podía ser un elemento de transformación social.

El documental visto en el cineclub no solo está trufado de interesantes aportaciones de testimonios, también cuenta con la participación especial de Malcolm McDowell, el actor de la película original. En palabras de González Bermúdez, fue un verdadero placer trabajar con él porque compartían la misma idea transformadora acerca del medio cinematográfico, el cine como valor de reflexión y debate.

El coloquio mantuvo en todo momento el interés y concluyó con una reflexión sobre el papel del cine como agente de cambio y la importancia de este como una parte más de la resistencia cultural en tiempos de represión. Con “La naranja prohibida” el director ha logrado capturar con éxito la esencia de un momento histórico crucial y transmitir el legado de una película que trasciende generaciones. Porque el documental de González Bermúdez nos recuerda, entre otras cosas, que el arte puede abrir caminos hacia la libertad.

Armand Rovira: Letters to Paul Morrissey

José Luis Cano de Gardoqui (Pdte. del Cineclub Casablanca) preguntando a Armand Rovira sobre 'Letters to Paul Morrissey". / Foto: Luis Gracia

El pasado lunes 29 de noviembre acudió a nuestro cineclub el director de cine y profesor universitario Armand Rovira para traernos “Letters to Paul Morrissey” (2018), su debut en el largometraje.

Tras una breve presentación en la que esbozó una serie de pautas para entender mejor su película, desarrollamos al término de la proyección un intenso y revelador coloquio que hizo la delicia de todos los presentes. La película – según palabras de Armand Rovira – es todo un homenaje a la figura de Paul Morrissey, icono del cine underground norteamericano. Como aquello que referencia, la película cuenta con varios episodios cortos entrelazados entre sí a modo de cartas rodadas, todas ellas con las características propias de aquel cine, como por ejemplo los rodajes en cámara de 16mm o el uso del blanco y negro, formatos autorreferenciados al abordar cine experimental.

Rodada en varios idiomas, la cantidad de anécdotas que Rovira nos contó, nos acercó al rodaje de esta película un poco más. Según aseguró Armand, el proyecto se alargó alrededor de cuatro años con la inspiración directa de Paul Morrissey y Joe Dallesandro, vitales en la formación de la película. La recepción favorable por parte de ellos, la narración de experiencias vitales, influencias del cine de los sesenta pero también otro tipo de imágenes que vinculan las pequeñas historias al cine clásico americano o incluso a la Europa del este, nos retrotraen en “Letters to Paul Morrissey” a otros tiempos del cine perfectamente representados.

Tras finalizar su exposición se abrió el turno de preguntas que arrojaron si cabe más luz sobre algunos aspectos formales, narrativos y estéticos de la película. Por último, Armand Rovira nos comunicó sus próximos proyectos en torno a la dirección de su segundo largometraje.

Día Europeo de la Creatividad de la mano de CreaVA21

Elena Finat (coordinadora CreaVA), Pedro del Río (cineasta) y José Luis Cano de Gardoqui (Pdte. del Cineclub Casablanca) presentando CreaVA21. / Foto: Víctor Hugo Martín Caballero.

CreaVa es un proyecto expositivo colectivo que se enmarca en el programa europeo CreArt, un evento que tiene lugar en marzo en diferentes ciudades europeas que coincide con la celebración del Día Europeo de la Creatividad el 21 de marzo.

Esta edición de CreaVa cuenta con una selección de obras audiovisuales, fotografías, esculturas, instalaciones y demás obras de arte realizadas por un selecto grupo de artistas locales. El programa se lleva a cabo durante toda una semana en diferentes escenarios de la ciudad y cuenta con la presencia de invitados especiales, talleres y conferencias para abordar temáticas relacionadas con el arte y la creatividad.

CreaVa sigue siendo un proyecto que busca acercar el arte a la gente de forma gratuita y ofrecer una plataforma de expresión a los artistas locales. Para todos aquellos interesados en la cultura y el arte, es una excelente oportunidad para conocer el trabajo de talentos emergentes de la ciudad.

El pasado 22 de marzo tuvimos la ocasión de disfrutar de una interesante selección de trabajos audiovisuales elegida personalmente por dos cineastas de Valladolid; Iván Sáinz-Pardo y Pedro del Río. Aunque la compañía de Iván no estuvo presente en la velada, sí contábamos con la presencia de Pedro, quien nos explicó con detalle las motivaciones de su elección y nos descubrió parte de su sello autoral. Finalizó el relato dando pie a varias preguntas por parte de los asistentes y nos avanzó algunos de sus próximos proyectos.

Una vez más, gracias a la colaboración con los artistas que visibiliza CreaVA, tuvimos la ocasión de conocer a cineastas y creadores visuales de gran talento, desconocidos en parte para la mayoría y avalados por una excelente calidad. Sumando todas las ediciones pasadas de CreaVA hemos descubierto hasta el momento a un sinfín de jóvenes de nuestro entorno que derrochan creatividad.

Sin duda, una velada de lo más interesante. ¡No os la perdáis la próxima vez!

‘Te querré siempre’ y Arturo Dueñas

El cineasta Arturo Dueñas en la presentación de la película 'TE QUERRÉ SIEMPRE' de Roberto Rossellini. / Foto: Luis Gracia.

El pasado 23 de noviembre dedicamos la jornada del lunes a la sesión habitual por trimestre MI PELÍCULA FAVORITA, una velada en la que invitamos a figuras de nuestro entorno del ámbito cultural para que nos acerquen sus películas preferidas.

Con motivo de nuestro quinto aniversario contactamos con el director de cine vallisoletano Arturo Dueñas. Sin embargo, debido a la pandemia no pudimos contar con él entonces por lo que nos vimos obligados a retrasar el encuentro.

La elección preferida de Dueñas para nuestro cineclub fue nada menos que un clásico imprescindible – según sus palabras – que aborda las relaciones de pareja de una forma moderna. La película, TE QUERRÉ SIEMPRE (1954), de Roberto Rossellini.

Consciente de las restricciones para la contención de la pandemia, Arturo nos deleitó con una amena presentación previa a la proyección. Tras agradecer a todos los presentes la asistencia, el cineasta explicó con pasión los motivos de su elección, salpicando el relato con anécdotas del rodaje, aspectos técnicos y artísticos imprescindibles según su punto de vista y nos presentó cómo la narrativa de esta película de Rossellini influye directamente en su trayectoria fílmica personal.

Arturo Dueñas es un cineasta vallisoletano reconocido y cuenta con numerosos premios en sus documentales. Además, su presencia nos es muy grata como cineclub porque contribuyó activamente a su formación en 2014 y marcó el arranque entonces de este proyecto ciudadano que mantenemos en la actualidad.